Quais são as características da arte renascentista?

Artistas da Renascença introduziram realismo em sua arte. Em outras palavras, técnicas diferentes para fazer com que seus objetos tenham a aparência que têm na vida real. A maioria das obras de arte anteriores a este período costumava se concentrar principalmente na religião e no cristianismo. Embora muitos artistas da Renascença também pintassem cenas religiosas, eles mudou-se mais para temas humanísticos. Em outras palavras, eles começaram a pintar o poder e a identidade de uma pessoa como indivíduo. Esculturas e pinturas renascentistas trouxeram uma abordagem mais realista às suas figuras míticas, geralmente no meio de um movimento ou atividade. O realismo minimizou o dogma secular e religioso e atribuiu maior importância ao valor e à dignidade dos indivíduos.

O humanismo da Renascença foi um renascimento no estudo da antiguidade clássica. Este movimento começou na Itália e depois se espalhou pela Europa Ocidental. O humanismo da Renascença também influenciou as artes, elevando os conceitos de beleza estética e proporções geométricas. Corpos e rostos humanos tornaram-se mais reais e as crianças pareciam mais crianças do que formas em miniatura de adultos humanos. Muitas das pinturas da Renascença incluíam mensagens edificantes, motivando as pessoas a se levantarem e agirem. Essas obras de arte também fizeram uma tentativa de examinar o mal humano. Isso ocorre porque o movimento de humanismo deu mais ênfase aos homens tendo mais controle sobre seu destino, ao invés de Deus e o destino.

Leonardo da Vinci foi um artista renascentista da Itália que estabeleceu padrões mais elevados para pintar e desenhar corpos. Ele começou a pintar corpos que eram anatomicamente corretos. Para fazer isso, ele realizou cerca de 20 autópsias para aprender sobre os músculos humanos, a colocação dos órgãos e a estrutura óssea. Podemos perceber sua dedicação ao estudo pela simples observação de seus desenhos, pinturas e até mesmo suas esculturas.

Algumas das obras de arte que mostram corpos anatomicamente corretos são Mona Lisa, David, Afrescos, Nascimento de Vênus e muitos mais. A escultura e a arquitetura renascentistas também refletiam principalmente a figura humana. No entanto, ele mostra principalmente o corpo masculino nu. Artistas como Michelangelo e Donatello retrataram fortemente o corpo humano em forma nua, mas nunca o usaram para vulgaridade. Em vez disso, eles usariam o corpo masculino nu para espiritualidade profunda.

Artistas da Renascença incorporaram mais figuras para fazer cenas complexas, permitindo uma perspectiva mais ampla para espiar a vida dos ricos e dos ricos. Sombras, diferentes perspectivas e luzes foram usadas de forma eficiente para chamar a atenção para certas figuras nas pinturas.

Outra característica da arte renascentista é que os pintores daquela época redescobriram as ideias de linha do horizonte, ponto de fuga, perspectiva linear e outras. Eles incorporaram isso em seus trabalhos com o objetivo de adicionar espaço 3-D e profundidade à sua arte.

Perspectiva linear foi renderizado desenhando de tal forma que alguém está olhando para fora de uma janela e desenhando exatamente o que é visto daquela perspectiva. Todos os objetos na pintura foram dimensionados dependendo de quão próximos ou distantes eles estavam. Os objetos que estavam mais longe foram pintados em tamanho menor e os objetos que estavam mais perto foram pintados em tamanho maior. O Linha horizontal é a linha que divide a terra do céu. No renascimento, era colocado perto do topo, e não ao nível dos olhos, pois é assim que o vemos na vida real. O Ponto de fuga é um ponto na linha do horizonte para o qual as linhas paralelas que se afastam diminuem. Esse tipo de efeito pode ser sentido ficando no meio de uma estrada e olhando as bordas se afastando.

`A Última Ceia`, de Leonardo da Vinci, é um exemplo perfeito de como os artistas da Renascença atraíram seus espectadores para suas pinturas ao mostrar uma cena cheia de emoção e psicologia. Diferentes reações dos apóstolos são mostradas e a cabeça de Jesus está situada em um ponto de desaparecimento.

Obras de arte renascentistas jogadas com como a luz cria sombras e atinge os objetos em seu caminho. Artistas da Renascença usaram luz e sombras para chamar a atenção de uma pessoa para um ponto específico do desenho. A arte renascentista foi significativamente caracterizada pela representação da luz através do espaço e suas sombras e reflexos em várias superfícies. O objetivo era alcançar o realismo perfeito que podemos ver na vida real. Isso foi possível com o uso de tintas a óleo por artistas da Renascença. Cores mais ricas podem ser dispostas usando pintura a óleo. Como demoraram mais para secar, os artistas tiveram mais tempo para continuar retrabalhando a pintura e obtendo detalhes mais finos com maior realismo.

Artistas da Renascença visavam tornar seus desenhos mais realistas e naturais, especialmente ao pintar pessoas. Depois de estudar a anatomia humana e medir proporções, eles buscaram a forma ideal de corpos humanos em suas pinturas e esculturas. As figuras humanas nessas obras de arte exibiam emoções e pareciam sólidas, permitindo que os espectadores se conectassem com seus pensamentos e sentimentos. As pinturas anteriores focavam principalmente cenas religiosas, mitologia clássica ou a representação de um estilo de vida rico. No entanto, as obras de arte renascentistas apresentavam interiores domésticos de pessoas comuns e retratavam a vida dos camponeses realizando suas tarefas cotidianas. Por exemplo, em `Madonna del Cardellino` de Raphael, Mary é pintada de forma mais realista com expressões faciais reais e as crianças parecem bebês de verdade. Maria, João Batista e Cristo parecem formar uma pirâmide.

A Igreja e o Cristianismo estavam passando por um período de declinação e fraqueza durante o período do Renascimento. Isso é claramente mostrado nas pinturas daquela época. À medida que a Igreja se enfraqueceu, mais significado começou a ser dado ao humanismo. Os papas começaram a gastar muito dinheiro em pinturas, esculturas e arquitetura para recuperar a influência que perderam durante esse período. Os afrescos da Capela Sistina são os exemplos perfeitos dessa perspectiva. Essa tentativa de reviver a identidade perdida continuou aparecendo nas obras de arte até o final de 16^º século. Embora o cristianismo tenha permanecido um tema dominante em várias artes visuais daquele período, a arte renascentista visava representá-los como pessoas reais, expressando emoções e em poses e poses da vida real.

Em termos de história da arte, muitas das características da arte renascentista demonstram o início de uma era de descobertas. Durante este período, as pessoas desenvolveram um grande desejo de explorar diferentes aspectos do mundo e sua natureza. Na época, os exploradores europeus estavam descobrindo novos continentes e rotas marítimas e estabelecendo novas colônias. Escultores, pintores e arquitetos europeus também buscavam métodos mais novos para obter e transmitir conhecimento e perspectiva. A sociedade estava passando por uma fase de respeito pela arte e os artistas estavam desenvolvendo o desejo de imitar e estudar as coisas em sua forma natural. Todos esses desejos e suas consequências podem ser vistos claramente na arte renascentista.

Além de ser um país rico em comércio, a Itália também tinha um grande repositório de artefatos e ruínas clássicas. A arquitetura romana pode ser vista em quase todas as cidades e vilas, incluindo réplicas de obras de arte perdidas da Grécia. Muitos estudiosos gregos também emigraram para a Itália e trouxeram com eles textos significativos de clássicos gregos. Todos esses fatores juntos influenciaram o início do movimento renascentista na Itália influenciado pela antiga arte romana. Sendo liderado por uma série de fatores sociais, políticos e econômicos, o período do Renascimento foi impulsionado principalmente por artistas italianos. Alguns dos escultores, pintores, designers e arquitetos mais proeminentes desse período incluem Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo e Ticiano.

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